El inicio de “Turistas” es grandioso, con Aline Kuppenheim interpretando a Carla, una  perdedora  sofocada dentro de su camioneta gigante de ñuñoina, que detesta a su marido y que de un minuto a otro escapa de unas vacaciones que no quiere tener. Desde ese momento nos enteramos que la directora va a contarnos un conflicto particularmente femenino, pero que a medida que se desarrollan los diálogos se transforma en una problemática universal: la pregunta por el sentido de la vida en personajes que han naturalizado los vicios del posmodernismo. La aparición del supuesto noruego, Ulrik (Diego Noguera), finiquita la introducción de la trama central, en donde el viaje es sinónimo de búsqueda de un mundo interior (era que no).

Sin embargo, cuando la perdedora y el gringo falso se encuentran en las Siete Tazas los dramas de la protagonista se difuminan por la llegada de una serie de personajes menores, personajes  que empantanan una historia que se suponía minimalista. Está claro que Alicia Scherson intentó sumar diversos actores para enriquecer el ambiente pueblerino del parque en donde sucede la historia, pero este detalle amarra la película a escenas ordinarias y mal actuadas. Aquí destaca la insoportable presencia de las primas llamadas Susana, unas pseudo góticas que se comunican en diálogos tan, pero tan sobreactuados que uno se pregunta: ¿realmente los actores chilenos siguen hablando así en 2009? ¿Cómo Alicia Scherson no cacha que todos esos diálogos innecesarios matan el realismo ganado en los primeros minutos de la película? Mal.

Así la historia se estanca y se pierde, pero a cambio Alicia Scherson desarrolla una mirada sobre la sociedad que pocas veces se ha visto en el género local: de sus escenas surge una pequeña crítica sobre la madurez y la estabilidad, que en términos visuales se evidencia cuando se contraponen los paisajes naturales con la intervención de maquinarias y construcciones. Lamentablemente, cuando pensábamos que esta idea podía ser llevada a sus personajes, “Turistas” se inclina por conflictos amorosos, sexuales, incluso maternales y familiares, demostrándonos que la propuesta de la directora puede correr ciertos riesgos en términos estéticos –la introducción de mensajes en la pantalla, la elección de la banda sonora-, pero que en su narrativa es conservadora y predecible.

“Turistas” demuestra que en el cine de Alicia Scherson está madurando su predilección por personajes miserables, de los que se pueden extraer historias novedosas, de los que incluso aflora un humor interesante, pero cuyos desarrollos y desenlaces no traspasan la frontera de la anécdota bien filmada.

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En “1” resaltan los arreglos que acercan a Tea Time a la música negra en general, factor que lo ubica entre los raperos locales con mayores dotes en los aspectos técnicos y estilísticos si pensamos en sonido y puesta en escena. Sin embargo, el álbum es la manifestación de una personalidad egocéntrica, en donde el individualismo es revestido con mensajes sobre el futuro del planeta y en el que lo sexual y lo barrial es caricaturizado con escenas, diálogos y personajes que se rigen por los paradigmas informativos que vemos a diario, donde lo que se obtiene es  una política de la criminalización de lo urbano e incluso de las relaciones interpersonales.

En casi una hora, las quince canciones que forman “1” hablan sobre un único personaje: Tea Time. Éste exhibe su vida, su pasado y sus pretensiones de futuro en canciones sabrosas, perfectas en su cadencia, seductoras y pocas veces mal desarrolladas. Es innegable la capacidad del autor para crear pasajes que servirían para la pista de baile o para la radiofonía tradicional, pese a que su poesía no alcance niveles similares de éxito. Los versos y las rimas de Tea Time giran en torno a pocos temas: la vida del rapero mundial, sus técnicas de conquistas con las mujeres, el barrio entendido como vereda y calle (así de obvio), además del devenir de la humanidad. Estos últimos se observan en menos minutos del álbum, puesto que la urgencia de Tea Time por hablar de sus conflictos callejeros es superior a cualquier otro sentimiento. Desde el inicio de la obra, con “Aquí estoy”, el músico saca a relucir el espíritu mesiánico que le pesa y lo acompaña en “Microphone Junkies”, “Soñado” o “Money”, donde sus palabras alcanzan niveles delirantes sobre la envidia que el mundo le tendría o cómo él es tan o más mafioso que un pandillero italiano.

El lenguaje que utiliza Tea Time para contar estas historias es simple y básico, por lo tanto sirve para que sus historias sean  fáciles de recordar. En eso refleja la veta pop antes nombrada, pero también trasparenta su afán por ser conciso en el reclamo y directo en el mensaje: él es el rapero más grande que se ha visto jamás y nadie podrá igualarlo, aunque otros trabajen veinte años en ello, como escupe en una de sus canciones.  Esta manifestación de una confianza tan vigorosa también se puede entender si pensamos en Tea Time como un referente más de la individuación en el mundo del rap tradicional, en donde pesa más la creación de un personaje que la redacción de canciones que afronten la realidad del mismo.

Por eso, cuando Tea Time se refiere a otros individuos o conceptos que no son ni su vida ni sus capacidades con el micrófono, lo hace siempre desde el control, es decir, el lugar donde él es el dominante. Esto se vuelve más que evidente cuando habla de sexo y las mujeres, a quienes casi aplasta en su mensaje. En paralelo, para Tea Time, la calle, lo callejero, lo urbano son lugares donde se afilan cuchillos o suenan balazos, además de territorios donde se siente cómodo. En ese sentido no cuesta mucho pensar hasta qué punto el autor ha interiorizado la tradición machista de los discursos sobre las relaciones de pareja y en qué nivel es capaz de construir una imagen de la ciudad que no sea el discriminatorio paisaje que dibujan los medios informativos y las encuestas gubernamentales.

Esta descripción de los vicios en que cae Tea Time devuelve la pregunta sobre el estado del hip hop más convencional realizado en Chile o por chilenos en México y Estados Unidos. La respuesta es dura y se complementa con las últimas producciones de otros líderes del movimiento local: sus discos son  obras llenas de mensajes en los que la vida es sinónimo de lucha contra todo y contra todos, donde la arrogancia se dice humildad y en donde los balazos, los sobornos, la muerte en las calles es naturalizada a tal nivel que simplemente se describe. En Tea Time, al igual que en sus compañeros de generación, no se reconoce un interés por romper con esa cadena de pensamiento. Sencillamente, en Tea Time las metas son otras: crear un mito y dedicarle todas las canciones que pueda.

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Arenita                                                      Faloon

- Su nombre artistítico                         – Su nombre real
es muy particular:                                    es muy particular:
ARENITA                                                     FALOON

- Después de pelear                              – No pesca al jurado de
con el jurado de Yingo                          Yingo y ahora es
abandonó el programa                          protagonista del programa

- Es más bien oscurita,                        – Es más bien blanquita
pero se tiñe muy rubia                           y te tiñe muy rubia

- Tiene una extraña                              – Tiene una extraña
obsesión por un ser humano             obsesión por un ser humano
llamado Karol Dance                             llamado Karol Dance

- Cuando partió en Yingo                  – Cuando partió en Yingo
estaba gorda                                             estaba flaca

- Se le relacionó con                            – Se le relacionó con
un futbulista:                                            un futbulista:
Mauricio Pinilla                                       Alexis Sánchez

- Reconoce cirugías en                       – Hasta el momento
la nariz, además de los                         no le conocemos cirugías
implantes de siliconas

- Pobre, le costaba                              – Pobre, le costaba
contestar en las pruebas                     contestar en las pruebas
de “cultura general”                               de “cultura general”

- Lo suyo es el canto,                         – Lo suyo son las comunicaciones,
estuvo cinco años en                            cursó un año de periodismo
un coro, era soprano.(?)

- Gracias a Yingo se                            – Gracias a Yingo se
supone que tendrá                                supone que tendrá
una carrera artística                            una carrera artística

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MGMT                                                  Astro
- Cultivan el look de                        - Cultivan el look de
gringos ensortijados                         cuicos ensortijados
que alucinan con                                que alucinan con
Marruecos                                             San Pedro

- Según el mito                                 – Según el mito
se conocieron en                               se conocieron en
la universidad                                    La Escuela Moderna

- Son de un sonido muy                 – Son de un sonido muy
tradicional que se                               tradicional que se
jura psicodelico                                  jura de avanzada

- Tienen varios singles                   – Tienen una canción
y uno de los buenos                           llamada “Raifilter” que
se llama “Electric Feel”                      es calcada a “Electric Feel”

-Dedican canciones a                      – Dedican canciones a
las drogas y sus                                    las drogas y sus
efectos místicos                                  efectos místicos

- Su disco “Oracular                         - Sus canciones parten
Spectacular” parte muy                    muy bien, pero son
bien, pero después                             todas aburridísimas
aburre mucho

- La prensa mundial                        - La prensa nacional
los trata con                                         no los pesca,
especial cariño                                    pero sí sus amigos blogueros

- El vocalista tiende                         - Tienden a forzar
a forzar su voz                                      la voz para sonar
para sonar muy ayudo                      muy agudos

- Pensamos que son                         - Eran un dúo,
un dúo, pero funcionan                    ahora ya son
como una banda                                 una banda

- Nunca han reconocido                – Obviamente, se declaran
influencias musicales                        influenciados
chilenas                                                  por MGMT

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Claramente, en esta cuestión entran muchos intereses en juego. Lo primero es la imagen país que el Festival quiere presentar al mundo, mundo que supuestamente compra y mira el Festival. Si pensamos en eso todas las baladas facilonas que compiten están fuera de competencia, y algunas más o menos rock como “Tu cariño se me va” podrían ser olvidadas, tanto o más que “En mejillones yo tuve un amor” que nunca ganará. Lo segundo, la canción obviamente debe ser bien mamona y/o bien chilena, así que “Gracias a la Vida” y “La voz de los 80” seguro van punteras porque si además vota el público ambas son las más juveniles-populares. Por otro lado, y aunque es la tercera opción más fuerte, dudo que a “Todos juntos” se le permita ganar, pensando en la carga política de su letra, pero nunca se sabe. Finalmente, “el cantante” o “banda emergente” debe funcionar en el escenario, cosa que ninguno cumple, así que la suerte le puede tocar a cualquiera, sobre todo al tipo de la cárcel que puede que enganche a las masas.

Siguiendo con lo de la selección de canciones, un punto interesante es que por ejemplo no hay ningún tema hip hop, estilo reciente en el país, pero con himnos tan o más potentes como “Los Momentos”. Pasa lo mismo con el punk o el pop que son borrados de la memoria bicentenaria a cambio de reliquias como “La Novia” en una actuación  desastrosa del Grupo Alma. Eso refuerza lo de la imagen país y de paso nos confirma que en los próximos eventos gubernamentales u oficialistas vamos a tener que mamarnos las mismas caras ancianas de siempre, disfrazadas ahora por verdaderos artistas nuevos y emergentes.

En ese punto se esconde otro lado perverso de esta historia: las cantantes. ¿Qué justifica que alguien como Nicole Natalino aparezca en la competencia? ¿Quién decide que los ganadores del Premio Azul, como Eric o K-reena (sí K-reena se hace llamar la muchacha) sean representantes de la música emergente chilena? ¿Quién elige estos nombres? ¿Cómo llega todo este grupo de “artistas” a ganar visibilidad en la tele y la prensa? ¿Por qué tengo que pensar que ellos son los personajes indicados para este circo? Nada y nadie puede demostrar que ellos están más calificados que otras personas para ganar esos puestos.  De hecho, lo que resalta de todo este grupo es la falta de carisma y talento que los caracteriza.

Según las bases del concurso, el 28 de noviembre las 5 canciones más votadas entran en una final en donde se decidirá el nombre del ganador. Pensando en eso, acá va una mirada a las cinco canciones que seguramente llegarán más lejos:

“Gracias a la Vida”, original de Violeta Parra, reinterpretada por Nicole Natalino. Los arreglos de esta canción pintan para ganadora segura, con ese ritmo medio tropical que no salva a nadie pero que funciona perfecto en una jovencita que nos confirma su falta de gracia. La voz de la ex Kudai, contenida y en teoría coqueta, no revienta en ningún momento y termina por arruinar una canción que tiene todo para ser un himno pop, pero que claro, en ella se pierde. Sin entrar en comparaciones ni defensas estúpidas, ¿quién asegura que voces como Natalia Molina  o  Dadalú no puedan hacer de este tema un mejor cover?

“Todos juntos” de Los Jaivas, ahora con Sabina Odone. Desde los arreglos “electrónicos” del comienzo uno ya intuye que TODO MAL. La cosa se pone peor cuando Odone abre la boca y canta con ese tonito nasal insoportable. Acá la cuestión es descarada, el video cuenta con la mejor producción de todos los temas, con juegos de cámara mega cuidados y con una ex Supernova dispuesta a contorsionarse al ritmo del pop andino.  ¿Qué pensará Juanita Parra de esta versión? ¿Mandará un mensaje de texto en favor de Odone? OJO: Canal 13, tan visionario, está sacando los videos de youtube, pero la canción se puede escuchar desde el myspace de Sabina Odone.

“El tiempo en las bastillas” de Fernando Ubiergo, en manos de Difuntos Correa, otra vez. El espaldarazo que Ubiergo les dio el año pasado en el mismo Festival y que todo el mundo se compró en “Los 80s” sirvió para que Difuntos Correa haga lo suyo en esta competición. El video muestra la idea súper original de rock sinfónico detrás del cover, pero al menos el resultado está al nivel de Difuntos Correa.  ¿ Y eso qué significaría?

“La voz de los 80” de Los Prisioneros, plagiada por Inestable. Perdonen ustedes la ignorancia, pero de dónde salió Inestable. Ahora sé que son de Oveja Negra y que tienen un montón de discos y  que tocan con rockeros como Sergio Lagos. Bien. En este caso la mímica al tema de Los Prisioneros les queda tan grande que terminan pareciendo una banda colegial disfrazados de Coldplay, pero con disfraces pobres. Sin embargo, si no es la ganadora, estará entre las tres primeras. (Ultra recomendada su página web)

“Tu cariño se me va” de Buddy Richad, aniquilada por Eric. Cuando Los Tres recuperaron esta canción posiblemente no imaginaron el daño que estaban haciendo, porque con el tiempo todos los rockeros chilenos se pusieron a imitar a Buddy Richard. La historia avanzó y ahora el ganador del Premio Azul, Eric, se queda con esta versión que nos recuerda que el look Javier Estrada puede ser la nueva moda del Bicentenario. Cuando uno ve este video se pregunta, cuál es el límite, ah?

Los que sobran: ojo que “Que cante la vida” en la interpretación del preso Aldo Bustos -que justo sale de la cárcel a fin de año- podría dar la sorpresa; qué mal por Jazzimodo que tienen la mejor versión pero con un video que los hace pedazos y qué onda K-reena con su afro de mentira y las flexiones de sus rodillas, ¿creerá que es la Rihanna chilena?

Lamentablemente, es de esperar que este tema de la “canción con historia” para Viña  2010 sea una de las publicidades que más nos molesten en lo que resta del año, pero es todo tan morboso, tan flaite y tan malo que merece una justa atención. Seguiremos informando.

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Entonces, si vamos a recordar a “Se Arrienda” es tiempo de encumbrarla como una de las cintas más patéticas de la última década, pero también como la demostración palpable, material, digna de archivo histórico, de la peor cara de un país que aún cree que decir “Hueon, desde cuándo comercial es sinónimo de bueno” es equivalente a abrir debates sobre los problemas reales del Chile decadente de la postdictadura.

Por eso, “Se Arrienda” es una película de culto y a continuación se ofrecen algunos momentos claves para entender su verdadero estatus:

Cuicos progresistas debatiendo sobre el futuro: Después de viajar a Mendoza para el concierto de Amnistía Internacional a fines de los 80, los sufridos protagonistas de “Se Arrienda” no dan más. La secuencia alcanza un clímax digno de comedía tipo Dawson’s Creek cuando todos los personajes están tirados en el pasto y se preguntan: ¿Qué te da miedo? Las respuestas: “Herir – Arrepentirme  – Quedarme sin amigos – Quedarme Sola – Echar de menos… Recordar”. Puro arte chileno.

Las hormigas asesinas: Fuguet se mira el ombligo y recoge una historia de su literatura para narrar en paralelo las miserias del protagonista. “Las hormigas asesinas” es un supuesto cortometraje en blanco y negro (arte) musicalizado por Gastón Fernández (Luciano Cruz-Coke) que narra la historia de un hombre (Benjamín Vicuña) que se queda solo en Santiago porque el resto de la población ha sido asesinada por hormigas que devoran a todos los que no saben amar… Increíble pero cierto, “el corto” aparece una y otra vez, a modo de correlato meta-crítico que nos debería hacer sentido si pensamos que Santiago es súper deprimente para cualquiera que ha vivido fuera de Chile y conoce las bondades del mundo evolucionado.

Luciano Cruz-Coke no tiene plata para el celular: El protagonista Gastón Fernández está perdido en la vida, ha estudiado en New York (obvio) y no encuentra trabajo como artista. La plata se le acaba, no tiene ni para comer y por eso tiene que recurrir a su padre para encontrar un puesto como vendedor de departamentos. Con eso la trama se agota porque Cruz Coke ya encontró plata para pagar el celular. Fin de “Se arrienda” y “Bienvenido al Sistema”.

Escena en el McDonald’s: Como ya el tema del trabajo no importa, Fuguet recurre al consumo como síntoma de la miseria humana, mostrando a Gastón Fernández junto a otro compañero del colegio comiendo en un McDonald’s. El diálogo, cómo no, está lleno  de “hueon”, “minitas”, “puta” y no sé qué, pero lo mejor es cuando el protagonista apela a que Chile es más gris que el primer mundo, es más depresivo, sobre todo los domingos. Después del diagnóstico se desata una cumbre en la película  cuando el compañero de Cruz-Coke dice:

- Hueon, no hay que pensar esas cosas, ni menos los domingos…Yo una vez lo hice…

Largo silencio y woooooooooooow: planos a gente solitaria comiendo en Mcdonald’s, todo con unas cuerdas sonando en tono trágico, tratando de hacer más EVIDENTE el drama del consumo. Maravilloso.

La fiesta de Felipe Braun: Me pongo de pie para aplaudir la actuación de Felipe Braun, que no tengo idea cómo se llama en la película, pero que es una especie de productor musical chileno que se gana Grammys. O sea, lo contrario de Luciano Cruz-Coke que sufre por el arte. En una escena en que se está celebrando el cumpleaños del personaje de Braun están todos los famosos, incluida Nicole que actúa de Nicole (¿o no?).Obviamente, el personaje de Cruz-Coke odia a todos por superficiales y vendidos al sistema. En ese momento, el guión nos regala otro instante mágico cuando Cruz-Coke se acerca a la barra y le pregunta al mesero sobre los precios de los tragos y éste le responde que son gratis. Con una mirada digna de premio Altazor, Cruz-Coke le refuta con  amargura: “Eso es lo que  creis vo, hueon”. In-creí-ble.

El artista encuentra a su musa: Como la película es un sin sentido completo, Fuguet recurre en la última media hora (de las dos que dura “Se Arrienda”) a contar la historia de amor entre Elisa (Francisca Lewin)  y Gastón Fernández. Piensen en todos los clichés de película de Jennifer Aniston y listo, no hay más. Sin embargo, estos minutos son los mejores de la película, porque para qué estamos con cosas, en Chile faltan comedias de amor y Fuguet intentó hacer algo así. Premio al esfuerzo, absolutamente.

El monólogo de Diego Casanueva: Con su pinta de cuico arrogante, Casanueva interpreta a un cuico arrogante que sobrevivió al ataque de su propio padre que le disparó varias veces en el estómago. El mito dice que esta historia Fuguet la sacó de la Paula, da lo mismo, pero casi al final de la película, que ya no tiene rumbo, se subentiende que el drama de Casanueva moviliza a Luciano Cruz-Coke a dejar de lado la amargura y a vivir la vida, que mira que en cualquier momento llega alguien y te mata. Mérito aparte es la actuación de Diego Casanueva, actorazo que de seguro aprobó con un 7 el ramo de Memoria Emotiva.

El artista consigue ser artista: Después del largo camino a la madurez, el personaje de Luciano Cruz-Coke ve la luz y se vuelca a la composición. ¿El nombre para titular su primer trabajo en años? DEPARTAMENTOS VACIOS, título que se lleva el premio a la idea más cursi del cine chileno en relación a la música. Después de eso FIN.

Ahora, para terminar, también hay que ser honestos y felicitar a Alberto Fuguet por seleccionar a actores como Felipe Braun que vende lavadoras, ropas y autos; Nicole, que vende pinturas para el pelo y mayonesas; Benjamín Vicuña que es rostro de una “multitienda” y al gran Luciano Cruz-Coke que también ha hecho uno que otro comercial, pero que es tan olvidable como su carrera en el cine chileno. Todos ellos son los actores perfectos para hacer una película sobre la relación entre mercado y valores  humanos.

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Desde ya puedo aclarar que el nombre no tiene nada que ver con el disco, pero como esto se trata de leer entre líneas,  el título nos transporta a una idea muy visceral, de adentro, muy de artista. De hecho, ella misma ha declarado que editarlo fue un parto porque –era que no- se le murió el computador donde tenía las canciones y blablabla. Para bien de nosotros y del futuro de la música  del fin del mundo, Nea no se dejó estar y ahora hasta sale nombrada en un comercial de Halls. Es decir, puro arte que está traspasando las fronteras del mercado como el mejor pop debe hacerlo.

Algunos dirán se lo merece, otros que está apitutada. Pero lectores, ¿quiénes somos nosotros para meternos con Nea y su primer hijo-disco que le costó sudor y lágrimas? Para qué nos vamos a poner densos, eso dejémoslo para los picados y los aburridos que siempre andan pelando al artista nacional. Hoy en Gugulson vamos a disfrutar de la autocensura y neutralidad porque no nos cuesta nada.

Así que vamos a lo realmente importante: “A lo hecho, pecho” es un álbum muy corto, media horita nada más, está divido en nueve canciones y su sonido es electropop. La descripción tan concisa se ajusta al contenido de la obra, donde la repetición de una que otra frase arma canciones que parecen durar mucho tiempo, pese a que son todas cortas. Como diría alguien por ahí: zzzzzzzz… Pero está bien, pocos tienen el don de volver soporífero un disco en su totalidad, a menos que se trate de Pol, personaje con el que Nea ya ha participado.

También es importante destacar que hacia el final del álbum la cantante rinde tributo a M.I.A al hacer un cover de “Pull up the people”, reescribiéndolo con el título de “Amnesia” (¿O es un tema original de la chilena?). Algo se le estará olvidando a la niña que eligió ese nombre, no lo sabemos, pero la canción   nos deja con la duda: ¿Si M.I.A significa “Missing in action”, qué significa NEA?

Para ir terminando, el  disco debut de Nea Ducci resalta entre la cosecha 2009, su sonido y la absoluta banalidad de sus temáticas amorosas deben estar a la altura de las propuestas más sobrevaloradas de nuestra cultura popular; su enorme coraje para editar un demo con pinta de álbum, donde todas las canciones sólo refuerzan un modo de encarar lo sentimental también nos hace calificarla como vanguardista  para su tiempo. Por eso, y sin esperar más, “A lo hecho, pecho” no es el mejor disco del año, ni de cerca, pero no somos nosotros los indicados para decirlo. Eso se lo dejamos a ustedes.

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En casi sesenta minutos de duración, “Fiebre Tagadá” explota   la esquizofrénica idea de composición utilizada por la banda en su primer ep, demostrando un gran talento para mezclar melodías muy pegajosas con un mensaje que calza perfecto con la figura de un “adolescente reaccionario” y lleno de contradicciones. En el disco hay diversos mensajes sobre el sexo, la polarización política, las drogas y el dinero; cada elemento surgido de una línea sonora que además de los aciertos de cada uno de los integrantes devuelve la pregunta sobre el límite entre el sampleo y el mash up. En ese sentido, canciones como “Nalgas Rock” o “20pobre” nos demuestran que Yingo está más cerca de lo que pensamos, al mismo tiempo que la utilización de pedazos del tecno, el axé o de los hitos de Britney Spears arman algo parecido a una personalidad onanista y reconocible a lo largo de toda la obra.

Jugando entre el hip hop y el pop discotequero, Picnic Kibun disfruta del lugar común, armando temas que ameritan videos coreográficos y superproducidos -entre ellos: “Pink and Blue”,  “Amused to be Used” o “Feather Weight Wait”- , consolidando un álbum que resalta por la diversidad de matices, pero también por ser un disco que recuerda a otros discos, algo típico, por ejemplo, de las bandas sonoras de las películas. Esa capacidad de parecer tan normalitos y tan parecidos al resto es un don que en Picnic Kibun tiene un mérito doble, pues al mismo tiempo que demuestran su destreza para hacer canciones pop, nos enteramos que pueden hablar de diversos temas, en distinto idiomas, haciéndolos pasar por el angosto cuello de la botella.

La gracia, entonces, de “Fiebre Tagadá” está en reutilizar las matrices populares para cantar sobre mucho más que calzones y japoneses. Ese coraje es pocas veces reconocible en la producción pop chilena y es un ejemplo de cómo reírse de todo y de todos, pero siendo asumido y consumido. Ya estando dentro las consecuencias pueden ser muchas y esa será otra diversión que deberá asumir Picnic Kibun en el futuro.

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Mucho más preciosista que su antecesor, “Un disparo al centro” es una pequeña obra que une la búsqueda vanguardista de C.A.F. con las cuerdas, los vientos y el resto de las percusiones de los músicos invitados. El resultado de esta combinación -afinada por el piano de Marcos Meza y los recursos de Dj Spacio-, pudo generar una serie de estructuras claustrofobias y muy oscuras, que las hay; sin embargo, la pericia del grupo se deja ver en la capacidad de transformar toda esa penumbra en destellos casi siempre comandados por el bajo (Sebastián Muñoz) y la batería (Felipe Salas). En su rol de vocalista más que rapero,  Koala Contreras vuelve a liderar la operación de los Felipes, y aunque profundiza en la figura del asesinato como analogía del reclamo, nuevas imágenes se toman su escritura fracturada y nunca lineal: el signo de interrogación que lo persigue, las llaves, las cerraduras, la música dolorosa o la canción típica.

“La puerta no se abre sola”, “Un disparo al centro” y “Cuando la verdad no encaja” son los momentos en que aparece Koala Contreras, alcanzando un registro de cantautor no convencional, pues sus rimas no obedecen a ninguna lógica y a diferencia del disco anterior  acá no hay historias ni ficciones. En este nuevo trabajo el único relato es el tiro al blanco, la detonación que destruye el templo -como se oye en uno  de los temas-,  esa  instalación de una bomba que es sinónimo de una política del desengaño y la disconformidad. Al instalarse en ese rincón discursivo, C.A.F. escribe un nuevo tomo de la novela negra que iniciaron hace un año, sin caer en la sobreactuación de un fundamentalismo absurdo.

Es decir, en tiempos donde la disidencia en el rap chileno es caricaturizada por antiguos rimadores famosos -Seo2, Tea Time,  Zaturno o Juan Sativo-, la consolidación de Como asesinar a Felipes con este “Un disparo al centro” es un ejemplo de sublevación que no recurre a ningún estereotipo vulgar o descaradamente copiado de los imaginarios gringos. Por el contrario, el combo devenido en orquesta transitoria se refugia en la estructura más docta que encontró para armar un disco conceptual, aún superior a su debut, y que lleva a un extremo la mezcla de sonidos oscuros y alegorías mortíferas para vomitar en contra de la normalidad y el orden social, sistema tan asimilado por sus pares y por todos nosotros.

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Mawashi: ¿Es Mawashi el experimento musical chileno más flaite del año? ¿Cuánta personalidad pueden tener tan sólo dos seres humanos para publicar canciones como “Que el ritmo no pare” (a lo Patricia Manterola), “Nasty chicken” o “Give me the groove”? Eso al margen que tener la cara tan dura como para hacer un tema y titularlo LA CRUZ. ¿Qué pensarán estos cabros? ¿Que nadie conoce Justice? ¿Que nadie ha escuchado Daft Punk en la vida? Sin más comentario (aunque se viene una crítica más exhaustiva al disco recién editado por Sello Azul), a la hora de preguntarnos sobre si acá hay más personalidad que talento, mejor responder con esta bella imagen:

Ruch: El trío compuesto por Luti Lutz, Ximena Abarca y Magdalena Mai tiene una visión tan extraña de la imagen y el sonido que me atrevería a decir que son el último ejemplo de grupo femenino en el mundo con tan, pero tan mal gusto. Y pese a que en la producción está el genio de Gustavo Pinochet y otros próceres del pop nacional, las estructuras no tienen más sentido que repetir el lugar común de la canción romántica con programaciones que intentan parecer geniales y que son horribles. De hecho, impresiona que a estas alturas de la vida moderna se sigan publicando discos como “3.0” (jajaja).  Siendo justos, el equilibrio de talento desperdiciado en Ruch debe ser directamente proporcional a la personalidad de sus integrantes. O creen que esto se explica solo:

Barraco Parra o Barack Oparra: sí, no escribí mal; para el lanzamiento de su disco “Cascabel”, el hijo de Nicanor Parra se hizo llamar como el presidente de Estados Unidos, posiblemente en un arranque de anti locura, porque claro, él es el anti cantautor, retoño del anti poeta. Lo cierto es que Barraco o Barack -depende de cómo los lectores se tomen su anti humorada- es el más decente de toda esta lista, de hecho, su myspace es bastante rescatable. Lo de Parra es un pop muy directo, que supera al de su amigo personal Cuti Aste, con mucho más ingenio que su amiga Nea, pero que no traspasa la frontera de la autoedición. Acá como corre sangre Parra, qué será: ¿Talento o perso?

Mirwayz: En un mundo de ignorantes este muchacho sería el rey del pop, pero no. Es probable que Iván Cofré de la Torre -con nombre compuesto y todo- crea que nadie sabe que Mirwais, el verdadero, fue el productor de Madonna en “Music”, lo que nos hace pensar en una GRAN COINCIDENCIA a la hora de asimilar su nombre “artístico”.  Después de la aclaración, podemos definir el sonido de este veinteañero como el de un Pali con demasiadas aspiraciones, pop barato y que usa programaciones que para el 2009 suenan tan añejas como ordinarias (ojo que nunca ocupé la palabra chano). Todo muy Sofia Oportot; talento para sacarse fotos con la boca media abierta, demostrando una gran personalidad interior. Puro carácter que nos mata los conceptos con fotos como esta:

The Howlers: ¿Qué más se puede decir de estos cabros con tanta personalidad y tanto talento? ¿Que llegan medio siglo atrasados al sonido de los Strokes? ¿Que acaso son más Elite Model Look que músicos? Eso sería poco. Desde su reciente aparición masiva, esta boy band de chaquetas de cuero ha sabido ganar mucha prensa, lo que nos hace mandarle un aplauso a la distancia a gente de Algo Records por su llegada a los medios y por tener tanta cara para mover este cuarteto que pronto conquistará el planeta Tierra. Obvio, cantan súper bien en el inglés del rock.

Miss Garrison: Otros pitucos indie del momento, los Miss Garrison también juran que nadie en el mundo ha escuchado Yeah Yeah Yeahs ni que Bonde do Role existe hace rato. Títulos como “Dictadura de la libido”, “Quimical efecto” y “Socialite que es un toilet” nos hicieron dudar de agregarlos a esta lista… ¿Puro talento? Lo otro, con Miss Garrison sufrimos cada vez que nos preguntamos: ¿De verdad ocupan una muñeca inflable como símbolo de su música? La respuesta nos golpea y nos vuelve a golpear al  recordar a su vocalista:

Denisse Malebrán: Mientras contamos las horas para que  “Pagana” sea liberado, no podemos olvidar a la reina indiscutida del mal gusto chileno, nuestra querida Denisse, cuyo talento vocal  podría ser objetado por algunos y endiosado por otros. Pero eso no es un gran merito para nadie, así que no pasaremos por alto la estrambótica personalidad de la ex Saiko, que un día se cree Björk y al otro día se cree Pj Harvey. Para nuestro deleite semanal, ahora se cree Madonna:

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