Esta vez, ha sido el turno de ese gran largometraje que lo fue a ver mucha gente al cine, la que debió haber hecho como nosotros porque me imagino lo emputecidos que deben haber salido de la sala de cine al perder dos lucas o más, aunque, a sabiendas de lo que ha sido el cine chileno en toda su historia, también serían harto barsas si se quejan mucho ya que uno sabe perfectamente a lo que va, sobre todo con ese genio llamado Nicolás López como expositor.

En este sentido, la película cumplió totalmente mis expectativas, convirtiéndose en un film intrascendente que terminó siendo idéntico a los anteriores trabajos de López, e incluso peor.

Qué Pena Tu Vida es un intento de muchas cosas. Un simulacro, una lluvia de ideas que invaden al telespectador y lo envuelven en su particular estilo de inmadurez y tallas ñoñas mezcladas con el doble sentido picaresco del chileno que hay que reconocerle (o reprocharle) al director como un sello.

Ver la película es más bien una experiencia extraña, que recae en la sensación de estar sentado en la mesa junto a Nicolás López y sus creativos presenciando el brainstorming que tuvieron al crear QPTV, llevándola a la pantalla sin ningún filtro aparente. El film recorre distintos lugares todos en un contexto muy similar, y se vuelve más bien un compendio de sketchs humorísticos ala Vía X aglutinados con el fin de seguir una línea, la del protagonista (Ariel Levy),  transformando este collage en una historia liviana y predecible.

Javier, el jovencito de la película, pretende ser una crítica al joven inmaduro y carretero ABC1 que se comporta como un imbécil ante cualquier situación en la vida. Flemático, caótico a ratos, el personaje intenta ser los ojos observantes de una caricaturización a modo de denuncia de ese mundo superfluo de las fiestas, las minas cuicas, los zorrones, la ropa alternativa, y los chiches tecnológicos caros, el que se siente una farsa forzada e hipócrita dada la tanda comercial que nos enrostran en el inicio de la película y, luego, sutilmente durante el largometraje con irritantes placements, que se congracia con todos los mecenas de ese mismo mundillo del que se supone se burlan.

Porque si algo le reconocemos a Nicolás López como talento puro es su capacidad de convencer a cualquier weón con plata o empresario de que le entregue dinero para financiar una película horrenda, la que al final se convierte en una verdadera lata al forzar escenas o tomas con el único fin de mostrar esas marcas buena onda que te ayudaron. López lo que carece de director lo tiene como productor y con creces.

Mientras, en ese escenario publicitario, chistes, a veces graciosos, la gran mayoría no tanto, siguen uno tras otro como gags en donde los momentos más tensos se inmiscuyen de repente y  no consiguen empatizar a nadie con el supuesto dolor de las situaciones, pues es un dolor irreal, centrado toda la película en la pataleta púber, en la rabieta esquizofrénica y en el momento más breve que se sufre en la ruptura amorosa: el odio desmedido y ciego.

Lo peor de todo, entre tanto logo Adidas, entre tanto caos emocional, entre tanto Hotel W, entre tanto famosillo invitado, y entre tanto turismo aventura con escenas socialmente súper osadas donde, wow, “bajaron” a Bellavista y cerca del Mapocho,  es que entre todo ese marullo visual con tufillo indie-cuico, ni siquiera se extravía al espectador para sorprenderlo luego con algo inesperado: me pasó que adiviné unas 15 escenas antes de que ocurrieran, así como también el final que lo adiviné como a los 20 minutos de película, algo simplemente impresentable para cualquier pretensión fílmica que clame respeto.

Entonces, si repasamos todo lo que se supone sería la película, al final no completa ninguna de sus promesas: ¿una comedia romántica? Entra ahí sólo porque no se puede meter en otro saco; ¿una crítica a la vida en la alta sociedad? Meter dos chanas en una escena y poner a la Allamand como el extremo burdo facho y Levy mirándola con cara de “pobrecita” no componen una crítica de lo que al final es en esencia la película misma, la que representa justamente a esos que se supone se critica, y no lo opuesto; ¿una película inspirada en las redes sociales? La inclusión de SMS, logos de Facebook o twitteos, son meramente elementos circunstanciales que se resaltan innecesariamente, de la misma manera a como si en los 70 en las películas chilenas se hubiera ensalzado un televisor o un teléfono.

Si analizamos Promedio Rojo – su primera película – , ésta es algo mejor (dentro de lo que cabe) porque  al menos tiene una idea, o un guión que apunta a un norte claro, pero Qué Pena Tu Vida es un pastiche de elementos gringos, de tallas repetidas, de ideas carentes de originalidad, de diálogos comunes y de recursos facilistas del cine chileno y la TV en general que se abraza con ese provincianismo, con esa ya acostumbrada mala actuación y pobreza de guión incorregibles en nuestra industria cinematográfica. ¿Algo bueno? Sí, había zapatillas bakanes o una polera que me gustó, iré a Adidas a ver si todavía la tienen.

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Por lo mismo, no alcanzamos a ir a ver grandes comedias chilenas que nos tincaban mucho para llorar de la risa un rato como “Mitos y Leyendas” y  “La Esmeralda 1879”, las que injustamente fueron sacadas de cartelera como a las 48 horas de ser estrenadas. También le tenía muchas ganas a esa raramente aclamada La Vida de los Peces (o The Life of  Fish, como se pusieron para el mercado internacional, tú cachai), por lo que la vi por Megavideo hace como una semana, así que esta crítica parece más un Flashback que algo actual.

Como sea, mucho se habló de esta película. Por un período corto de tiempo tuvo un auge similar al de La Nana, con la única diferencia que El Mercurio no hizo una oda ni se puso a buscar cuanta crítica positiva extranjera hubiera para decir que la película estaba “triunfando” en todo el mundo. Más bien hubo un acuerdo de estrellitas en cada diario, donde ninguno osó a catalogar la película ni de “regular” siquiera. Unánimemente las críticas apuntaban a un consenso de que el film era bueno o muy bueno.

Me pregunto qué es lo que vieron de taaan bueno, cuando desmenuzando la película no alcanza a ser más que un intento de algo con cierto potencial, así como un trabajo de la U que lo encontraste bakán.

La película es sin duda minimalista. Se desarrolla en un mismo escenario, en donde el protagonista (Santiago Cabrera como Andrés) viaja de una habitación a otra topándose con distintas historias y conversaciones en una fiesta de cumpleaños de un amigo, historias que terminan redundando en dos ejes siempre: la muerte de un amigo en la que no se ahonda más allá que eso, y en la presencia de su ex novia (Blanca Lewin como Beatriz), lo que se convierte en la trama principal.

El problema es que cuando se quiere hacer películas donde el conflicto principal es el amor, un amor difícil, doloroso, y lleno de nostalgia, necesariamente tiene que existir un guión que contagie al humilde espectador de este dilema, y, cómo no, protagonistas a la altura del drama. Justamente es ahí donde La Vida de los Peces tiene su lado más flaco.

Y quizás no tanto por las actuaciones (donde claramente Cabrera ejerce un mejor rol que Blanca Lewin), sino que con las personalidades de ambos protagonistas: parcos, con una carencia emocional evidente, los que jamás transmiten las reales emociones que pueden haber entre dos personas que se reencuentran tras 10 años y que aún se aman.

Andrés y Beatriz se mueven en esta fiesta en sus burbujas, al compás de la dirección, de la luz y de las escenas, porque el mayor logro de esta película es crear una atmósfera y un ritmo que se agradece como alternativas a la mina en pelotas o a la talla doble sentido, pero que no se cuadró nunca con la historia principal, la que rehúye, la que no emociona, y la que finalmente se vuelve más un adorno a las pretensiones fílmicas y personales que el director (Matías Bize) quiso conseguir, con una historia extremadamente simple que finaliza como comienza.

Es difícil definir con qué vara hay que medir el film. Si lo medimos con la vara del cine chileno, la película sale airosa, y se convierte en algo decente, superior a varias otras, vara desde donde me imagino los críticos chilenos realizaron sus apreciaciones.

Pero obviando esa misericordia con que se trata al Séptimo Arte chileno siempre, no podemos más que decir que la película es totalmente olvidable, fría, en donde la atmósfera daba más para un drama de otro tipo a que uno amoroso, el cual es hasta difícil de definir como drama, ya que el conflicto es tremendamente tenue, casi invisible

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El inicio de “Turistas” es grandioso, con Aline Kuppenheim interpretando a Carla, una  perdedora  sofocada dentro de su camioneta gigante de ñuñoina, que detesta a su marido y que de un minuto a otro escapa de unas vacaciones que no quiere tener. Desde ese momento nos enteramos que la directora va a contarnos un conflicto particularmente femenino, pero que a medida que se desarrollan los diálogos se transforma en una problemática universal: la pregunta por el sentido de la vida en personajes que han naturalizado los vicios del posmodernismo. La aparición del supuesto noruego, Ulrik (Diego Noguera), finiquita la introducción de la trama central, en donde el viaje es sinónimo de búsqueda de un mundo interior (era que no).

Sin embargo, cuando la perdedora y el gringo falso se encuentran en las Siete Tazas los dramas de la protagonista se difuminan por la llegada de una serie de personajes menores, personajes  que empantanan una historia que se suponía minimalista. Está claro que Alicia Scherson intentó sumar diversos actores para enriquecer el ambiente pueblerino del parque en donde sucede la historia, pero este detalle amarra la película a escenas ordinarias y mal actuadas. Aquí destaca la insoportable presencia de las primas llamadas Susana, unas pseudo góticas que se comunican en diálogos tan, pero tan sobreactuados que uno se pregunta: ¿realmente los actores chilenos siguen hablando así en 2009? ¿Cómo Alicia Scherson no cacha que todos esos diálogos innecesarios matan el realismo ganado en los primeros minutos de la película? Mal.

Así la historia se estanca y se pierde, pero a cambio Alicia Scherson desarrolla una mirada sobre la sociedad que pocas veces se ha visto en el género local: de sus escenas surge una pequeña crítica sobre la madurez y la estabilidad, que en términos visuales se evidencia cuando se contraponen los paisajes naturales con la intervención de maquinarias y construcciones. Lamentablemente, cuando pensábamos que esta idea podía ser llevada a sus personajes, “Turistas” se inclina por conflictos amorosos, sexuales, incluso maternales y familiares, demostrándonos que la propuesta de la directora puede correr ciertos riesgos en términos estéticos –la introducción de mensajes en la pantalla, la elección de la banda sonora-, pero que en su narrativa es conservadora y predecible.

“Turistas” demuestra que en el cine de Alicia Scherson está madurando su predilección por personajes miserables, de los que se pueden extraer historias novedosas, de los que incluso aflora un humor interesante, pero cuyos desarrollos y desenlaces no traspasan la frontera de la anécdota bien filmada.

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Entonces, si vamos a recordar a “Se Arrienda” es tiempo de encumbrarla como una de las cintas más patéticas de la última década, pero también como la demostración palpable, material, digna de archivo histórico, de la peor cara de un país que aún cree que decir “Hueon, desde cuándo comercial es sinónimo de bueno” es equivalente a abrir debates sobre los problemas reales del Chile decadente de la postdictadura.

Por eso, “Se Arrienda” es una película de culto y a continuación se ofrecen algunos momentos claves para entender su verdadero estatus:

Cuicos progresistas debatiendo sobre el futuro: Después de viajar a Mendoza para el concierto de Amnistía Internacional a fines de los 80, los sufridos protagonistas de “Se Arrienda” no dan más. La secuencia alcanza un clímax digno de comedía tipo Dawson’s Creek cuando todos los personajes están tirados en el pasto y se preguntan: ¿Qué te da miedo? Las respuestas: “Herir – Arrepentirme  – Quedarme sin amigos – Quedarme Sola – Echar de menos… Recordar”. Puro arte chileno.

Las hormigas asesinas: Fuguet se mira el ombligo y recoge una historia de su literatura para narrar en paralelo las miserias del protagonista. “Las hormigas asesinas” es un supuesto cortometraje en blanco y negro (arte) musicalizado por Gastón Fernández (Luciano Cruz-Coke) que narra la historia de un hombre (Benjamín Vicuña) que se queda solo en Santiago porque el resto de la población ha sido asesinada por hormigas que devoran a todos los que no saben amar… Increíble pero cierto, “el corto” aparece una y otra vez, a modo de correlato meta-crítico que nos debería hacer sentido si pensamos que Santiago es súper deprimente para cualquiera que ha vivido fuera de Chile y conoce las bondades del mundo evolucionado.

Luciano Cruz-Coke no tiene plata para el celular: El protagonista Gastón Fernández está perdido en la vida, ha estudiado en New York (obvio) y no encuentra trabajo como artista. La plata se le acaba, no tiene ni para comer y por eso tiene que recurrir a su padre para encontrar un puesto como vendedor de departamentos. Con eso la trama se agota porque Cruz Coke ya encontró plata para pagar el celular. Fin de “Se arrienda” y “Bienvenido al Sistema”.

Escena en el McDonald’s: Como ya el tema del trabajo no importa, Fuguet recurre al consumo como síntoma de la miseria humana, mostrando a Gastón Fernández junto a otro compañero del colegio comiendo en un McDonald’s. El diálogo, cómo no, está lleno  de “hueon”, “minitas”, “puta” y no sé qué, pero lo mejor es cuando el protagonista apela a que Chile es más gris que el primer mundo, es más depresivo, sobre todo los domingos. Después del diagnóstico se desata una cumbre en la película  cuando el compañero de Cruz-Coke dice:

- Hueon, no hay que pensar esas cosas, ni menos los domingos…Yo una vez lo hice…

Largo silencio y woooooooooooow: planos a gente solitaria comiendo en Mcdonald’s, todo con unas cuerdas sonando en tono trágico, tratando de hacer más EVIDENTE el drama del consumo. Maravilloso.

La fiesta de Felipe Braun: Me pongo de pie para aplaudir la actuación de Felipe Braun, que no tengo idea cómo se llama en la película, pero que es una especie de productor musical chileno que se gana Grammys. O sea, lo contrario de Luciano Cruz-Coke que sufre por el arte. En una escena en que se está celebrando el cumpleaños del personaje de Braun están todos los famosos, incluida Nicole que actúa de Nicole (¿o no?).Obviamente, el personaje de Cruz-Coke odia a todos por superficiales y vendidos al sistema. En ese momento, el guión nos regala otro instante mágico cuando Cruz-Coke se acerca a la barra y le pregunta al mesero sobre los precios de los tragos y éste le responde que son gratis. Con una mirada digna de premio Altazor, Cruz-Coke le refuta con  amargura: “Eso es lo que  creis vo, hueon”. In-creí-ble.

El artista encuentra a su musa: Como la película es un sin sentido completo, Fuguet recurre en la última media hora (de las dos que dura “Se Arrienda”) a contar la historia de amor entre Elisa (Francisca Lewin)  y Gastón Fernández. Piensen en todos los clichés de película de Jennifer Aniston y listo, no hay más. Sin embargo, estos minutos son los mejores de la película, porque para qué estamos con cosas, en Chile faltan comedias de amor y Fuguet intentó hacer algo así. Premio al esfuerzo, absolutamente.

El monólogo de Diego Casanueva: Con su pinta de cuico arrogante, Casanueva interpreta a un cuico arrogante que sobrevivió al ataque de su propio padre que le disparó varias veces en el estómago. El mito dice que esta historia Fuguet la sacó de la Paula, da lo mismo, pero casi al final de la película, que ya no tiene rumbo, se subentiende que el drama de Casanueva moviliza a Luciano Cruz-Coke a dejar de lado la amargura y a vivir la vida, que mira que en cualquier momento llega alguien y te mata. Mérito aparte es la actuación de Diego Casanueva, actorazo que de seguro aprobó con un 7 el ramo de Memoria Emotiva.

El artista consigue ser artista: Después del largo camino a la madurez, el personaje de Luciano Cruz-Coke ve la luz y se vuelca a la composición. ¿El nombre para titular su primer trabajo en años? DEPARTAMENTOS VACIOS, título que se lleva el premio a la idea más cursi del cine chileno en relación a la música. Después de eso FIN.

Ahora, para terminar, también hay que ser honestos y felicitar a Alberto Fuguet por seleccionar a actores como Felipe Braun que vende lavadoras, ropas y autos; Nicole, que vende pinturas para el pelo y mayonesas; Benjamín Vicuña que es rostro de una “multitienda” y al gran Luciano Cruz-Coke que también ha hecho uno que otro comercial, pero que es tan olvidable como su carrera en el cine chileno. Todos ellos son los actores perfectos para hacer una película sobre la relación entre mercado y valores  humanos.

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Alejándose del lenguaje y del estilo visual de “La vida me mata”, Sebastián Silva se dedica a filmar un mundo que ha declarado conocer muy bien: la clase alta santiaguina, que según él no es autoritaria, en donde los hijos se juran artistas, donde las hijas ocupan poleritas entalladas de Joy Division y en donde las nanas son uno más, sin ser nunca un otro más. A través de un realismo que no agota, sacando partido a la cámara en mano, el director escenifica ese mundo con Raquel -Catalina Saavedra-, la nana que se siente propietaria de los miembros de la familia. El conflicto, entonces, ronda todo el rato las necesidades emocionales  de Raquel, personaje que no está descontento por obra y gracia del destino, sino por culpa un sistema laboral que la asfixia, que no la comprende y que la utiliza para ser esclava, amiga y objeto inservible por igual. La aparición de nuevas empleadas  la llevan al colapso, poniendo en juego su futuro en la casa hasta la contratación de Lucy -Mariana Loyola-, quien le demuestra que existe más mundo que los guantes de plástico y la aspiradora. Al mismo tiempo, la película enlaza la historia de Raquel con la de una familia cuica conservadora  que no tiene mayor inferencia en la obra, pues sus personajes están al servicio de contar la gran historia, la de la nana.

Con esa participación escasa del mundo acomodado, Silva debe estar muy contento, pues claramente no deja escapar ningún diálogo político partidario que delate su cuna.  No obstante, la escena en que la dueña de casa -Claudia Celedón- le regala a la nana un chaleco tipo Laura Ashley es mucho más potente que ver a Delfina Guzmán actuando de Delfina Guzmán, diciendo que “ay, las nanas aquí y las nanas allá”. Son esos pequeños momentos en los que la película abre la pregunta sobre la desigualdad al interior del espacio doméstico,  espacio donde las empleadas controlan la cotidianeidad, pese a ser sujetos desconocidos por sus jefes.  Quizás los  críticos chilenos no lo entiendan porque en ningún momento los cuicos tratan de chinas a las nanas, y quizás por eso Sebastián Silva crea en la neutralidad de su guión.

Finalmente, si en “La vida me mata”, el ex CHC enlazaba a los personajes masculinos a una dependencia emocional que rozaba tácitamente la homosexualidad, en “La Nana” Raquel y Lucy  se unen por la soledad y la búsqueda de un mejor destino, llenando la pantalla con diálogos memorables como el viaje al campo o cuando están viendo tele. Sin embargo, sólo una mirada inocente podría dejar pasar que gracias a la amistad entre las empleadas, la película traspasa la inconformidad de un grupo de mujeres que son violentadas incluso cuando son tratadas con cariño.  Ahí el tema de la esclavitud y la libertad se transparenta, siendo el mayor aporte del nuevo trabajo de Silva.

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Pratgelina                                                Brangelina
- Como pareja triunfan                         – Como pareja triunfan en
en 1810, exponiendo                              Hollywood, exponiendo
sus vidas constantemente.                   sus vidas constantemente.

- Medios como Intrusos                       – Medios como E!
los apodaron Pratgelina…                     los apodaron Brangelina…

- El romance nació en horas               – El romance nació en horas
de trabajo, encerrados                           de trabajo, filmando
en el reality.                                               “Mr. and Mrs Smith”.

- Hoy no sabe si están juntos,             – Hoy no sabe si están juntos,
el reality está atrasado                            hay muchos rumores.
mes y medio.                                                de crisis.

- Juntos se dedican a labores             – Juntos se dedican a labores
humanitarias, mantienen a                    humanitarias, adoptan
sus padres y/o abuelos.                          niños negros.

- Angélica fue la Chucky de                – Angelina Jolie hizo
Yungay antes de cantar                         de Lara Croft antes
con los Charros de Lumaco.                de trabajar con Clint Eastwood.

- Arturo Prat es de ojos claros         – Brad Pitt es de ojos claros
y encandila a mujeres tipo                   y encandila a mujeres tipo
Diana Bolocco.                                          Jennifer Aniston.

- Angélica gana por reality 50             – Angelina Jolie gana por película
millones de pesos.                                    20 millones de dólares.

- Arturo Prat tiene un pasado            – Brad Pitt tiene un
como estudiante de                                  pasado como mesero
educación física.                                       y extra de comerciales.

- Angélica es acusada de                      – Angelina Jolie fue
brujería y                                                     acusada de incesto y prácticas
magía negra.                                               oscuras por sus tatuajes.

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La cinta  se basa en la etapa en que aparece el demonio Piccolo,  pero acá está todo dado vuelta:  Gokú tiene 18 años,  todavía vive su abuelo,  Bulma es más machorra que coqueta y el maestro Rocchi es como un cuarenton fome y no el viejo caliente y chistoso que conocíamos.  Pero si dejamos de lado  eso,  la historia que crearon para filmar esta “Dragon Ball – Evolución” nunca queda muy clara y al final la anécdota se reduce a un simple problema entre tres o cuatro personajes interesados en que las míticas esferas del dragón no sean utilizadas por los malos.  ¿Y eso a quién le puede importar si la humanidad nunca está en peligro? ¿Si tampoco aparecen personajes con superpoderes o increíbles escenas de acción?  A nadie y con dificultad a un fanático de las historietas acostumbrado a ver las antiguas peleas contra Frezzer,  Cell (la más bacán a mi gusto) o Majin Bu.

La falta de un buen conflicto da paso a que durante toda la película se trate de “impedir algo”.  ¿Impedir qué?  No lo dicen nunca.  O sí,  pero no importa de verdad porque los malos no aparecen mucho y sin antagonistas lo que queda es el largo camino del héroe,  o sea,  el crecimiento como luchador de Gokú.  Recurrir a este factor es lo peor  porque se problematiza según la mirada occidental,  que aunque suene a fanático nerd,  no se relaciona con el mundo oriental del que proviene el personaje.  Al Gokú de la película le interesa peinarse,  agarrarse a las minas,  no ser el menos popular de la “preparatoria” y bacanear en las fiestas.  Al Gokú de la serie a lo más le importaba comer,  pero siempre salvaba a sus amigos y al planeta.  Ese es el gran error:  adaptar según las reglas del género de acción juvenil una historia que antes combinaba enfrentamientos de alto nivel  entre el bien y el mal.

A esto hay que sumar una estética horrible,  muy oscura y hasta cyberpunk,  pero flaite.  Las escenas de acción son poquísimas y el cuidado de los colores  es terrible:  mucho humo,  mucha nube negra,  desiertos improvisados… Es decir,  ambientación tipo Power Rangers  en el 2009.  Insisto que esto va en desmedro de  la cinta porque la pregunta natural es  ¿dónde quedó el imaginario que conocíamos y que a todas luces supera a este extraño producto cinematográfico?

El gusto que queda después de ver “Dragon Ball – Evolución” es bien amargo y el dolor es grande;  para uno que fue y es fanático de Dragon Ball esta película es una basura y más encima ultra fome,  además del intento menos arriesgado por llevar al cine al bacán de Gokú y sus amigos.

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“Twilight”, aquí “Crepúsculo”: esta película con actuaciones hermosas de lo malas, con una banda sonora terrible, con tomas de videoclip flaite, es una adicción en todo el planeta. Era que no si pensamos que habla del amor adolescente entre Bella y el vampiro Edward, el que teme chuparle la sangre en pleno amor sexual. Esta tensión recorre toda la cinta y es imposible que cualquier pendejo de trece años no alucine con la historia porque habla sólo de eso: iniciación y temor. Hay alguna que otra escena fantástica con efectos especiales, pero lo central es el amor y la calentura. Nada de diálogos eternos sobre el bien y el mal. El conflicto es que los protagonistas no pueden tener sexo porque si el vampiro se le acerca mucho a la doncella, literalmente se la come. En Chile, cuando se lanzó el DVD ya había 3.000 copias prevendidas y para qué decir en Estados Unidos, donde hasta Paris Hilton quiere aparecer en la secuela.

“True Blood”: Esta serie de HBO terminó el año pasado con un éxito enorme y ahora muchos esperamos la segunda temporada. Lo bueno  aquí  es que además de hablar del amor entre la caliente e ingenua Sookie y el vampiro Bill Compton (otro caliente que desafía a sus amigos vampiros con tal de salvar a su dama), aparecen asesinos en serie, mutantes, hombres lobos, negros bacanes que dicen mil garabatos cada dos palabras y mucho, pero mucho sexo. Cada capítulo tiene varias escenas de softporn que desencadenan algunas muertes o discusiones sobre drogas, obvio. En “True Blood” es más importante recalcar la batalla entre el bien y el mal, tema que alcanza unos momentos de real terror en esa escena del exorcismo…Sin embargo esta oposición de fuerzas no es más que una excusa para terminar todos en la tremenda orgía de sangre…uh.

“Let the right one in”: diferente en su puesta en escena a los otros ejemplos, Let the right one in es la película que habla de los vampiros, pero con una protagonista de doce años llamada Eli que come humanos para sobrevivir y que conoce a Oskar, un niño que es golpeado en el colegio por sus compañeros y que está obsesionado con la muerte. La supervivencia es, entonces, el tema de fondo. Que se enamoren los protagonistas es una anécdota, hermosa por lo demás. Aquí la sangre y la muerte aparecen muy poco, pero ya se quisiera cualquier película de estas un final  tan escalofriante y tierno a la vez (la escena de la piscina y el tren, uy). Por el momento en Chile no sé si está en muchas salas, pero sorprende que no se hable  de esta película, sobre todo porque es sueca. Y como sabemos a la juventud chilena Suecia le cae de lo más bien porque escuchan a los Knife y  José González. Peliculón.

“Gabriel”:  Si “El Clon” se subía al carro de la clonación justo a tiempo, Chayanne y la serie “Gabriel” hacen lo mismo en esta saga de 10 capítulos para la televisión chicana que según dicen está grabada en alta definición. La trama es maestra: Chayanne es un vampiro que cree en Dios y que se quiere morir para poder ir al cielo y encontrar a su amada. En el camino se tiene que enfrentar nada más ni nada menos que con el malo de la historia que es…¡¡El Puma Rodriguez!! Todos vampiros y con saltos temporales de 300 años. Onda 1810 con vampiros, pieza del siglo XXI, te reto a duelo y todo eso.

Para terminar, acá imágenes de alto impacto de la miniserie que ojalá no se tarde en llegar a nuestro país:

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No cabe duda que ese inicio con “The Times Are Changing” de Bob Dylan, lleno de guiños a la cultura pop – Warhol, Bowie, Kennedy y Batman incluidos -  tiene un nosequé que agrada y se disfruta con plenitud. Pero desde ahí en adelante, el excesivo respeto que Snyder tiene hacia el guión de Moore, más que favorecerlo, le resta puntos:  condensa las densas reflexiones del cómic y sus múltiples interpretaciones en ligeras 3 horas. Y aunque eso pudiese parecer bueno para aquellos que leímos el cómic, el público no-lector tiende a aburrirse. Ni siquiera los increíbles efectos especiales pueden evitar un bostezo de aquellos iniciados por la película.

En este mismo afán de condensar la novela gráfica, la complejidad de algunos personajes se ve mermeada. Tan sólo Rorschach y Dr. Manhattan tienen una adaptación fiel, profundizando en sus historias y, quizás lo más importante, en su personalidad. Que la megalomanía de Adrian Veidt, la ingenuidad de Laurie Juspeczyk, el fascismo de El Comediante y el estado depresivo de Daniel Dreiberg sean ignorados, es imperdonable: en el cómic queda bien claro que son los cuestionamientos morales de estos personajes los que conducen el relato y no el relato per sé. El peor error que comete Snyder en este punto es que, para remediar lo anterior, recurre a numerosos omisiones en el guión y clichés  – esa escena de sexo con “Hallelujah” de Leonard Cohen más que excitar da risa -  que hubiesen ayudado a darle una mayor contundencia a la historia.

Aún así, Snyder acierta en algunos pasajes. El casting (impresionante James Earle Haley como Rorschach), la vuelta de tuerca en el final (la muerte del enmascarado emociona más que en el cómic) y los paisajes generados por computador son dignos de admiración. Pero aún así, y a pesar de que la adaptación de esta obra de Moore supera con creces a las anteriores, el agridulce sabor que queda tras casi 3 horas demora un poco en quitarse. Y, curiosamente, una diálogo entre Rorschach y Veidt – oportunamente omitido – deja claro el por qué de esta sensación:

Adrian Veidt: The Comedian had plenty of other political enemies to choose from, even discounting the Russians. The man was practically a Nazi.

Rorschach: He stood up for his country, Veidt. Never let anyone retire him. Never cashed in on his reputation. Never set up a company selling posters and diet books and toy soldiers based on himself. Never became a prostitute. If that makes him a Nazi, you might as well call me a Nazi, too.

(Más críticas sobre esta película puedes chequearlas en este link)

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¿Quién es Robert Downey Jr.? Tras un pasado ligado a varias mujeres, abuso en el consumo de drogas y un meritorio paso por la cárcel, Downey Jr. logró retomar el rumbo cerca de tres años atrás, logrando aparecer en diversos proyectos tales como A Scanner Darkly, Iron Man, Zodiac e incluso, Family Guy. Por si no fuera poco, el año pasado recibió un cerrado aplauso en los MTV Movie Awards, cerrando este “regreso” con una nominación a Mejor Actor de Reparto en los OSCAR  de este año, por su ya mencionado rol en Tropic Thunder.

Aún cuando compita con un ganador seguro – Heath Ledger – RD Jr. tiene méritos de sobra para hacerse acreedor la estatuilla dorada. Acá algunos:

1) Hace el papel de un actor rubio de ojos azules que se tiñe la piel de color negro mediante una operación muy extraña (vamos, es mucho más meritorio que teñirse el pelo verde, pintarse los labios rojos y echarse polvo blanco en la cara).

2) No es un personaje pedófilo (otro de los nominados en esa categoría – Philip Seymour Hoffmann – hace el papel de un cura al que le gusta andar manoseando cabros chicos).

3) El personaje de Kirk Lazarus está basado en… Robert Downey Jr.

4) En Tropic Thunder, Kirk Lazarus fue nominado al OSCAR por su rol de un cura gay enamorado de… Tobey Maguire.

5) Se comió a Sarah Jessica Parker (Sex And The City).

6) Es amigo de Mel Gibson.

7) Es IRON MAN (de lo que se deduce que tiene PENE DE HIERRO).

Fue dirigido por Ben Stiller. Y si nadie entiende el peso de esa sentencia, es probable que su vida no tenga sentido.

9) Y claro, está vivo (¿qué gracia tiene que el OSCAR se lo gane un tipo que se suicidó?).

Quizás hay razones que tiene un mayor peso que estas de acá arriba. Aún así, son pocos los actores que se pueden jactar de ser tan rockstars y no haber muerto en el intento (el mismo Heath Ledger no se la pudo). Son pocos los actores que tras hacer un personaje afroamericano (y de mentiras) son nominados al OSCAR (incluso a los negros reales les cuesta ser nominados). Y, por último, son pocos los actores a pesar de todo… siguen siendo actores.

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